Höhne, Steffen / Keller, Rolf / van den Berg, Karen / Bekmeier-Feuerhahn, Sigrid / Koch, Angela / Mandel, Birgit / Tröndle, Maritn / Zembylas, Tasos (2009): Jahrbuch Kulturmanagement 2008, hrsg. v. Fachverband Kulturmanagement. Bielfeld: Transcript.
Buch bei Transcript

Man muss das Konzert verändern, um es zu erhalten. Denn die Krise der klassischen Musik ist keine Krise der Musik, sondern eine ihrer Aufführungskultur. Anstöße und Beispiele für die Weiterentwicklungen des Konzerts und die Entwicklung neuer Aufführungskonzepte, geben in dem Band Autoren aus Musikwissenschaft, Soziologie und Ökonomie sowie Kritiker, Intendanten und der Musikindustrie.

Mit Beiträgen von:

Prof. Dr. Beatrix Borchard
Prof. Ludger Brümmer
Dr. Markus Fein
Prof. Dr. Heiner Gembris
Prof. Dr. Werener Heinrichs
Prof. Dr. Michael Hutter
Christian Kellersmann
Dr. Susanne Keuchel
Prof. Dr. Volker Kirchberg
Prof. Elmar Lampson
Prof. Dr. Matthias Rebstock
Prof. Dr. Jens Roselt
Prof. Dr. Hans Christian Schmidt-Banse
Prof. Dr. Gerhard Schluze
Dr. Matthias Sträßner
Dr. Martin Tröndle
Prof. Dr. Elena Ungeheuer
Prof. Dr. Raimund Vogels
u.a.

Rezensionen

Durchgehend verständlich geschrieben und mit einer ansprechenden Satzgestaltung versehen, dringt das Buch entlang dem Begriff der Aufführungskultur tief in die kulturellen, sozialen, ökonomischen und ästhetischen Schichten dessen ein, was ein Konzert eigentlich ausmacht. Diesen Turn von der „Ausführungs- zur Aufführungskultur“ offenbart neue Möglichkeiten für die Zukunft des Konzertes und wirkt erfrischend in der aktuellen Diskussion. Dabei geht es nicht um eine „Eventisierung“ des Konzerts, sondern darum, die Kunstform Konzert als ästhetisch-soziale Präsentationsform zeitgemäß weiter zu entwickeln, um der Musealisierung des Konzerts und der steten Veralterung des Publikums entgegenzuwirken: uneingeschränkte Leseempfehlung.
Isabella Urban, kulturmanagement.net, 06.12.2009

„Man muss das Konzert verändern, um es zu erhalten. Denn die Krise der klassischen Musik ist keine Krise der Musik, sondern eine ihre Aufführungskultur“, lautet eine der Kernaussagen dieses Buchs, das ein Muss ist für jeden, der sich Gedanken über die sinnvolle und notwendige Weiterentwicklung des Konzertwesens macht.
… ein spannendes Konglomerat von Ansätzen und Sichtweisen darüber, wie die Aufführungskultur sinnvoll weiterentwickelt werden kann und muss. … ein Buch, dem man nur eine rasche Verbreitung wünschen kann.“
Gerald Mertens, Das Orchester 11/09

“So fundiert, so wegweisend, so umfassend recherchiert und  vielgestaltig habe ich die Themen Populationsschwund in den “Konzerthäusern” und “Musikvermarktung heute” noch nie aufgearbeitet gefunden.”
Mandy Weiß Musik- und Musikfeature-Redakteurin, MDR Figaro, 23.09.09

„…. das Erfolgsmodell von vor 150 Jahren verliert dramatisch an Anziehungskraft: Der Deutsche Musikrat hat zwischen 1993 und 2006 einen Rückgang der Besucherzahlen um 21,3 Prozent registriert; das Durchschnittsalter der Zuhörer liegt heute zwischen 55 und 60 Jahren, und es gilt als unwahrscheinlich, dass heute 30-Jährige mit 50 die Klassik für sich entdecken. Wenn man solche Statistiken vorsichtig auf die kommenden Jahrzehnte hochrechnet, ergeben sich apokalyptische Szenarien – den meisten Orchestern, Opernhäusern und Konzertveranstaltern wäre jede Existenzgrundlage entzogen. Bisher ist man dem erwarteten Zuhörerschwund mit zwei Strategien entgegengetreten: mit pädagogischen Maßnahmen vor allem für Kinder und Jugendliche und mit den Mitteln des Marketings, die neue Besucher werben sollen.
Der Musiker und Kulturwissenschaftler Martin Tröndle fügt in dem von ihm herausgegebenen Buch einen dritten, womöglich entscheidenden Ansatz hinzu. Er wendet den Blick weg vom Publikum auf das Konzertereignis selbst.“
Stefan Arndt, Hannoversche Allgemeine Zeitung, 15.08.2009

„Ein zweifellos wichtiger Reader zum Stand der gegenwärtigen Diskussion über Wege aus der Krise des Konzertwesens [...].“
Neue Musik Zeitung 10/2009

„Man muss das Konzert verändern, um es zu erhalten. Denn die Krise der klassischen Musik ist keine Krise der Musik, sondern eine ihre Aufführungskultur“, lautet eine der Kernaussagen dieses Buchs, das ein Muss ist für jeden, der sich Gedanken über die sinnvolle und notwendige Weiterentwicklung des Konzertwesens macht. Herausgeber Martin Tröndle hat im Frühjahr 2008 namhafte Autorinnen und Autoren aus Musikwissenschaft, Musikwirtschaft, aus Soziologie, Ökonomie und Kulturwissenschaften in zwei Veranstaltungen zur „Zukunft des Konzerts“ bzw. „Suche nach dem Publikum“ interdisziplinär zusammengeführt und deren Beiträge nun in einem gelungenen Sammelband zusammengefasst. Herausgekommen ist ein spannendes Konglomerat von Ansätzen und Sichtweisen darüber, wie die Aufführungskultur sinnvoll weiterentwickelt werden kann und muss.
Im ersten von insgesamt sieben Kapiteln geht es um das „Konzertwesen und seine Akteure“. Der Soziologe Gerhard Schulze beleuchtet die Entwicklung des Hörens von Musik und prophezeit dem Livekonzert im 21. Jahrhundert als einzigartigem Erlebnis eine gute Zukunft. Wirtschaftswissenschaftler Michael Hutter beschreibt den Einfluss ökonomischer Größen auf die Entwicklung des Konzertwesens. Seine Überlegungen zur Tarifpolitik gehen allerdings teilweise an der Realität vorbei und vernachlässigen die Tatsache, dass von den 133 deutschen Kulturorchestern über 80 Opernorchester sind, bei denen der Konzertbereich inhaltlich und ökonomisch eine völlig untergeordnete Rolle spielt. Heiner Gembris und Susanne Keuchel präsentieren die jüngsten Tendenzen der Besucherforschung und Publikumsentwicklung. Im zweiten Kapitel geht es um das Konzertereignis als einem „Moment kultureller Produktion“, im dritten werden verschiedene Konzertstätten untersucht und typisiert. Interessant ist die Unterscheidung Volker Kirchbergs zwischen außer-gewöhnlichen, traditionell-gewöhnlichen und „über-gewöhnlichen“ Konzertstätten, wobei Letztere meist durch eine spektakuläre Architektur gekennzeichnet sind. Mit „Kommunikation und Körperlichkeit“ ist das vierte Kapitel überschrieben, in dem u.a. Christian Kellersmann eine Lanze für die neue Musik als Zukunftspotenzial des Konzertbetriebs bricht. 
Im fünften Kapitel werden die Themen angesprochen, die sich im gängigen Konzertgeschäft rasch in die Praxis umsetzen lassen und wohl die größten Innovationspotenziale freisetzen. Vor allem Markus Fein beschreibt sehr anschaulich die Entwicklung und Wirkung spannender Konzertdramaturgien, die das Publikum in besonderer Weise in das eigentliche Konzertgeschehen einbinden und hierdurch neue Wahrnehmungs- und Erlebnisebenen schaffen. In diesem Sinn beschreiben Beatrix Borchard, wie man Konzerte förmlich „inszenieren“ kann, und David Canisius, wie das Clubformat der „Yellow Lounge“ neue Zuhörerschichten erreicht. Kritische Anmerkungen zur eventorientierten Musikvermittlung von Matthias Sträßner finden sich im sechsten Kapitel. Am Ende jedes Kapitels finden sich Literaturverzeichnisse. Kleine Fehler stören (z.B. „TKV“ statt „TVK“), aber es überwiegt der sehr positive Eindruck des Buchs, dem man nur eine rasche Verbreitung wünschen kann.
Gerald Mertens, das Orchester 11/2009, Seite 62

Aber bitte mit Aura
In diesen Tagen beginnt überall die neue
 Klassiksaison – meist mit einem Konzert.
 Doch ist das noch die richtige Form, um
 Menschen für Musik 
zu begeistern?

Jetzt rächt es sich, dass Walter Benjamin nie einen iPod besessen hat. In seinem Essay „Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit“ von 1936 untersuchte er, wie die damals noch jungen Medien Film und Fotografie das Theater und die bildende Kunst beeinflussten. Benjamin befürchtete, das Erlebnis der Kunst könne künftig an Intensität verlieren und die „Aura“ der Kunst zerstört werden. Seither haben sich die Arten, Theater zu machen oder Kunst zu zeigen, erheblich entwickelt: Dem Regisseur des modernen Theaters ist der Kurator als ein Interpret und künstlerischer Forscher im Ausstellungsbereich zur Seite getreten.
Die Musik spielte in diesem Zusammenhang für Benjamin noch keine Rolle – ganz einfach, weil das Grammofon mit seinem blechernen Klang noch nicht ernsthaft als Reproduktionsquelle angesehen werden konnte. Und als ob sich seit damals nichts geändert hätte, verharrt das Konzertwesen noch immer in der Form, die es Ende des 19. Jahrhunderts angenommen hatte.
Doch verliert das Erfolgsmodell von vor 150 Jahren dramatisch an Anziehungskraft: Der Deutsche Musikrat hat zwischen 1993 und 2006 einen Rückgang der Besucherzahlen um 21,3 Prozent registriert; das Durchschnittsalter der Zuhörer liegt heute zwischen 55 und 60 Jahren, und es gilt als unwahrscheinlich, dass heute 30-Jährige mit 50 die Klassik für sich entdecken. Wenn man solche Statistiken vorsichtig auf die kommenden Jahrzehnte hochrechnet, ergeben sich apokalyptische Szenarien – den meisten Orchestern, Opernhäusern und Konzertveranstaltern wäre jede Existenzgrundlage entzogen. Bisher ist man dem erwarteten Zuhörerschwund mit zwei Strategien entgegengetreten: mit pädagogischen Maßnahmen vor allem für Kinder und Jugendliche und mit den Mitteln des Marketings, die neue Besucher werben sollen.
Der Musiker und Kulturwissenschaftler Martin Tröndle fügt in dem von ihm herausgegebenen Buch „Das Konzert – Neue Aufführungskonzepte für eine klassische Form“ (Transcribt-Verlag, 333 Seiten, 29,80 Euro) einen dritten, womöglich entscheidenden Ansatz hinzu. Er wendet den Blick weg vom Publikum auf das Konzertereignis selbst. Tröndle, der bis vor einem Jahr als Musikreferent im niedersächsischen Kulturministerium arbeitete, untersucht gemeinsam mit Wissenschaftlern und Künstlern unterschiedlicher Disziplinen die Formen und Rituale des Konzerts – und entdeckt dabei großes Veränderungspotenzial, das in einer überraschenden These gipfelt: Die Krise der klassischen Musik ist keine Krise der Musik, sondern eine ihrer Aufführungskultur. Um das Konzert zu erhalten, so Tröndle, müsse man es verändern.
Sein Buch zeigt, dass das Konzertwesen in der Vergangenheit tatsächlich ständig variiert wurde. Die Orte, an denen Musik gespielt wurde, wuchsen vom privaten Musikzimmer zum prunkvollen öffentlichen Konzertsaal. Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts waren die Programme bunt gemischt und so lang, dass es selbstverständlich war, das Konzert zwischendurch für andere Dinge zu verlassen. Erst danach wurde das Repertoire auf wenige „Meisterwerke“ reduziert und die Programmabfolge auf Ouvertüre, Konzert, Pause, Sinfonie normiert. Diese „Kulmination des bürgerlichen Konzertes“, die sich nicht zuletzt durch Subventionen bis heute erhalten hat, traf laut Tröndle im letzten Drittel des 19.  Jahrhunderts den Nerv der Zeit: Man besuchte ein Konzert nicht zuletzt auch, „um das Bedürfnis nach Zugehörigkeit zu einer bestimmten gesellschaftlichen Gruppe zu befriedigen“.
In den vergangenen Jahrzehnten fiel diese Motivation weg. Identitätsstiftend war eher die Sozialisierung durch eine bestimmte Art der Popmusik, Klassik hat ihr gegenüber an Relevanz verloren. Doch gerade das scheint sich nun wieder zu ändern: Christian Kellersmann vom Musikgiganten Universal Music zumindest sieht in seinem Buchbeitrag die Popmusik im Abschwung. Sie beschränke sich immer mehr auf postmoderne Zitatverweise und habe den lange behaupteten Anspruch auf musikalische Erneuerung verloren: „Popmusik entwickelt sich mehr und mehr zum großen Musical, das täglich von einer Stadt zur anderen reist.“ Auf der anderen Seite belegten die Verkaufserfolge von Klassikalben, dass immer mehr junge Menschen auf der Suche nach Alternativen „die große Substanz, die Vielfalt, die Schönheit und die Geschichte von klassischer Musik“ entdeckten.
Diese Entwicklung müsse nur verstärkt werden. Kellersmann benennt dafür drei Kernpunkte, bei denen er dringenden Veränderungsbedarf im Konzertwesen sieht: Das Image der Klassik muss verbessert werden, die Aufführungskultur muss den Bedürfnissen eines jungen Publikums angepasst werden, und das Repertoire muss sich um zeitgemäße Stücke erweitern. Mit Projekten wie der „Yellow Lounge“, die Klassik in populären Berliner Klubs präsentiert, führt Kellersmann bereits erfolgreich vor, wie das geht.
Natürlich kann ein Projekt allein nicht den Weg aus der Krise weisen. Er ist nur eine von vielen Anregungen, die das Buch gibt. Der Intendant der Niedersächsischen Musiktage, Markus Fein, der als „Konzertkurator“ selbst beispielhaft arbeitet, plädiert für eine neue Dramaturgie der Programme. Weitere Buchbeiträge geben Beispiele für „inszenierte Konzerte“, für das „Regiekonzert“ oder das „Featurekonzert“.
Albert Schmitt, Manager der Bremer Kammerphilharmonie, sieht dagegen ganz andere Probleme: „Eine schöne Frau braucht nicht viel Make-up, und eine Frau, die im tiefsten Inneren nicht von ihrer Schönheit überzeugt ist, wird auch durch das raffinierteste Make-up niemals wirklich attraktiv sein.“ Wichtig ist ihm vor allem die Authentizität der Spieler – ein Konzert werde dann museal, wenn man das „Feuer der Ausführenden“ nicht mehr spüren könne. Statt der Berufsmusiker brauche man „berufene“ Musiker.
Eindeutige Lösungen kann niemand bieten, auch Tröndles Buch nicht. Doch es zeigt, dass es sich lohnt, die gegenwärtige Form des Konzerts zu überdenken. Nicht nur, weil es notwendig ist, um das Konzertleben für die Zukunft zu erhalten. Viel wichtiger ist, dass auratische Konzerte im Sinne Walter Benjamins den Hörern längst ungewohnte Glücksmomente mit Musik wiederbringen könnten. So ist die Zukunft nicht düster, sondern so bunt wie nie.

Stefan Arndt, Hannoversche Allgemeine Zeitung, 15.08.2009

Das Konzert. Neue Aufführungskonzepte für eine klassische Form

Durchgehend verständlich geschrieben und mit einer ansprechenden Satzgestaltung versehen, dringt dieses Buch entlang dem Begriff der Aufführungskultur tief in die kulturellen, sozialen, ökonomischen und ästhetischen Schichten dessen ein, was ein Konzert eigentlich ausmacht.
»Auf breiter Front gilt, dass das klassische Musikereignis – gleich ob Konzert-, Oper- oder Kammermusik – an Relevanz verloren hat, und zwar als ästhetische wie als soziale Institution. Dies ist mittlerweile allgemein bekannt und hat in den letzten Jahren zu einer Vielzahl an Publikationen und Programmen in den Bereichen Audience Development, Music Education und Musikvermittlung geführt. Ziel dieses Bandes ist es, die Diskussion zu diesen Themen um die bisher kaum wahrgenommene Perspektive der ‘Aufführungskultur’ zu erweitern.« (S.10).

So selbstbewusst beginnt »Das Konzert: Neue Aufführungskonzepte für eine klassische Form« von Martin Tröndle, Professor für Kulturbetriebslehre und Kunstforschung an der Zeppelin University. Tröndle entwickelt in diesem Buch mit einer Vielzahl namhafter Autoren aus Wissenschaft und Praxis den Begriff „Aufführungskultur“ und erweitert dadurch maßgeblich das Denken über die live-Präsentationsform der E-Musik. 
In den Aktivitäten zur Musikvermittlung sollen potentielle Besucher (zumeist Kinder und Jugendliche) durch pädagogische, sozialisierende oder werbende Maßnahmen als Konzertbesucher gewonnen werden. Das Konzert an sich bleibt dabei weitgehend unangetastet. 
Martin Tröndle hingegen fragt in seinem Buch danach, wie sich das Konzert selbst, also als ästhetisch-soziales Ereignis verändern muss, um ein neues Publikum anzuziehen. Damit fügt er der aktuellen Diskussion um die Zukunft der Klassik eine tatsächlich neue Perspektive hinzu, die sich auf die These zuspitzen lässt, dass „… die Krise der klassischen Musik weniger eine der Musik selbst ist, als vor allem eine ihrer Darbietungsformen“ (S.21). Woraus folgt: Man muss das Konzert verändern, um es zu erhalten. Ähnlich dem Wandel also, der sich in der Interpretationspraxis vollzogen hat, muss sich auch die „Aufführungskultur“ weiterentwickeln, um einem sich im Wandel befindlichen Publikum gerecht zu werden (S.38).
Um diese Weiterentwicklungen der Aufführungskultur zu skizzieren, vereint das Buch das Who-is-Who der Kulturbetriebslehre – unter ihnen: der Bamberger Kultursoziologen Gerhard Schulze, die Publikumsforscher Heiner Gembris (Universität Paderborn) und Susanne Keuchel (Zentrum für Kulturforschung), die Musikwissenschaftlerinnen Elena Ungeheuer (TU Berlin) und Beatrix Borchard (HMT Hamburg), Christian Kellersmann, Managing Director Universal Music Classics & Jazz und Michael Hutter, der Direktor der Abteilung “Kulturelle Quellen von Neuheit” am Wissenschaftszentrum Berlin, um nur einige zu nennen. 
Die Beiträge folgen einer klaren Logik und geben dem Leser die Möglichkeit schrittweise in die Thematik einzusteigen: Im ersten Teil werden die Problemlagen des Musikbetriebs analysiert. Dann bauen die Autoren, vielfältige neue Perspektiven des „Zukunftskonzerts“ auf: Was lässt sich für das „Zukunftskonzert“ lernen, versteht man das Konzert als performatives Ereignis? Was ist musikalische Präsenz und wie kann der Präsenzcharakter des Konzertereignisses gesteigert werden? Was können wir bei der Untersuchung der sozialen und rituellen Funktion von Musik aus einem musikethnologischen Vergleich erfahren? Welche Chancen ergeben sich aus diesen Überlegungen für die Entwicklung neuer Konzertkonzepte? Welche Zukunft bieten die technischen Neuerung im Bereich der Raumakustik und welche Raumarchitekturen versprechen nachhaltig ein neues Publikum zu erreichen? Diese eher theoretischen Reflexionen tun gut. Sie heben den ansonsten sehr praxisorientierten, musikpädagogischen Diskurs um die Zukunft des Konzertes und eröffnen neue Perspektiven darauf, was ein Konzert ist und was es zukünftig sein sollte.  
Wie diese Überlegungen umgesetzt werden können, zeigen im nächsten Teil des Buches: Ein Versuch, das Konzert dramaturgisch und konzeptionell zu erneuern. 
Im letzten Teil des Buches greift der Herausgeber Martin Tröndle nochmals die wichtigsten Thesen auf und diskutiert sie mit Verantwortlichen des Musikbetriebs: Albert Schmitt, Managing Director der Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, geht dabei vor allem auf das Selbstverständnis der Musiker ein und wie sich dieses Wandeln muss. Der Präsident der Hochschule für Musik und Theater Hamburg, Elmar Lampson, diskutiert die Ausbildung an Musikhochschulen und skizziert die Schlüsselkompetenzen zukünftiger Musiker. Werner Heinrichs, Rektor der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart diskutiert welche kulturpolitischen Weichenstellungen erfolgen müssten, um die Aufführungskultur erneuern zu können und damit die Klassik zu revitalisieren. 

Fazit
Durchgehend verständlich geschrieben und mit einer ansprechenden Satzgestaltung versehen, dringt das Buch entlang dem Begriff der Aufführungskultur tief in die kulturellen, sozialen, ökonomischen und ästhetischen Schichten dessen ein, was ein Konzert eigentlich ausmacht. Diesen Turn von der „Ausführungs- zur Aufführungskultur“ offenbart neue Möglichkeiten für die Zukunft des Konzertes und wirkt erfrischend in der aktuellen Diskussion. Dabei geht es nicht um eine „Eventisierung“ des Konzerts, sondern darum, die Kunstform Konzert als ästhetisch-soziale Präsentationsform zeitgemäß weiter zu entwickeln, um der Musealisierung des Konzerts und der steten Veralterung des Publikums entgegenzuwirken: uneingeschränkte Leseempfehlung.

Dr. Isabella Urban, kulturmanagement.net, 06.12.2009

Entscheiden im Kulturbetrieb: Interiertes Kunst- und Kulturmanagement, Martin Tröndle als PDF download 5,5 MB

Rezension von Dr. Isabella Urban, Kulturmanagement Network, April 2006

Um was es geht

“Alles was in einer Organisation passiert, muss entschieden werden. Es muss entschieden werden, was als Nächstes zu tun ist, und wie” (S. 28).
Vordergründig scheint diese Aussage Allgemeingut, bei näherem Hinsehen bringt sie jedoch tief greifende Implikationen mit sich. Die Erste lautet: jede Kulturorganisation ist nur so gut wie ihre Entscheidungen, die Zweite: die Kulturorganisation ist nur durch Entscheidungen zu dem geworden, was sie ist, und sie reproduziert sich durch Entscheidungen. Der Schlüsselfunktion Entscheiden ist also nicht genug Aufmerksamkeit zuzumessen. Auf diesem Gedanken entfaltet der Autor die Argumentation folgendermaßen:

a) Zunächst wird das Entscheidungsverhalten in Kulturorganisationen analysiert;
b) darauf aufbauend entwickelt er ein kulturbetriebsspezifischen Entscheidungsinstrument; und
c) diskutiert anschließend Fragen zur Umsetzung getroffener Entscheidungen im Spannungsfeld zwischen Veränderung und Beharrung.

Im Detail

Wie kommen Entscheidungen zustande, und wie deren Prämissen? Und: Was ist das Spezifische an Entscheidungen in Kulturorganisationen? Von diesen Fragen ausgehend analysiert Martin Tröndle in Kapitel 2 zunächst aus organisationssoziologischer und systemtheoretischer Perspektive wie Entscheidungen in Kulturbetrieben zustande kommen und welche Rolle die Organisationskultur, die Organisationsgeschichte und Emotionen bei der Entscheidungsfindung spielen. Denn will man verstehen was in einem Museum, Theater oder in einem Festival hinter den vorgeschobenen Kulissen von Zielen, Aufgaben und Zwängen wirklich vor sich geht, muss man die jeweilige “Entscheidungslogik” freilegen. Dazu gilt es den Taktiken der Akteure und deren Zusammenspiel im organisatorischen Kontext auf den Grund zu gehen. Kapiteltitel sind beispielsweise: “Die Verfestigung der Organisation beim Reden”, “Die Aufladung von Situationen”, “Die Evolution der Organisation”, “Was von Ihnen erwartet wird”, “Der kleine Unterschied: Organisation und Kulturorganisation”, “Die Kultur des Kulturmanagements” und “Die gefühlte Entscheidung”. Diese kleine Soziologie der Kulturorganisation ist gelungen und das entwickelte systemtheoretische Denken wird immer wieder durch Beispiele anschaulich gemacht. Beim Lesen stellt man sich die eine oder andere Frage zur eigenen Kulturorganisation und kommt auch mal ins Grübeln, lässt man vergangene Entscheidungssituationen Revue passieren.

Laut Autor hat es das Fach Kulturmanagement/Kulturvermittlung bisher nicht geschafft, eigenständige kulturspezifische Instrumente zu entwickeln. Die zumeist betriebswirtschaftlichen Instrumentarien, die auf Messbarkeit abheben, können im Kulturbetrieb nur selten Anwendung finden, da hier nicht nur ökonomische, sondern auch ästhetische, kulturelle, vermittelnde, soziologische etc. Faktoren in die Entscheidungsfindung mit einfließen müssen. Zudem muss seiner Meinung nach die Monodisziplinarität im Kulturmanagement überwunden werden: “Paradoxerweise stellt man … gerade im alltäglichen Handeln in Kulturorganisationen schnell fest, dass die bisherigen, auf Teilgebiete eingeschränkten, analytischen, rezeptologischen Vorgehensweisen im Kulturmanagement den Phänomenen der Praxis nicht gerecht werden. Die zu bearbeitenden Probleme halten sich meist nicht an die Grenzen der Disziplinen” (S. 15). Sein Konzept zur Entscheidungsfindung geht daher disziplinenübergreifend vor; dabei werden auch die für den Kulturbetrieb zentralen, ‘weichen’ Faktoren integriert.

Wird Eingangs (Kapitel 2) vor allem auf kultur- und sozialwissenschaftlich geprägte Organisationstheorien (bspw. Niklas Luhmann, Karl Weick, Dirk Baecker) zurück gegriffen, so schafft der Autor es im dritten Kapitel, diese entscheidungstheoretischen Ausführungen praxisorientiert umzusetzen, ohne den anspruchsvollen methodischen Weg verlassen zu müssen: Diese gelungene stringente Verknüpfung von Theorie und Praxis hin zu einem integrierten Entscheidungsinstrument gebührt Anerkennung und macht die Publikation auch für die allgemeine Managementlehre interessant. Denn Martin Tröndle entwickelt hier ein einfach zu handhabendes Instrument, das die unausgesprochenen Prämissen bei Entscheidungen offen legt und gleichzeitig eine multidisziplinäre, ganzheitliche Sichtweise auf Problemstellungen ermöglicht.

In den folgenden Kapiteln (4-7) wird das Konzept Integriertes Kunst- und Kulturmanagement dann ausführlich an Beispielen verdeutlicht und an einem Fallbeispiel stringent durchgespielt. Dabei werden Fragen zum angebotenen Kulturprodukt und dessen Präsentation diskutiert und Entscheidungen visualisiert (bspw. zum Programm, zur Konzeption, zur Vermittlung, zur Inszenierung etc.). Besonderen Raum nimmt dabei das Kapitel 7 “Entscheidungen zur Organisation” ein, in dem für das Kulturmanagement vielfältige neue Ideen und Umsetzungsmöglichkeiten zur Organisationsgestaltung von Kulturorganisationen vorgestellt werden (Themen sind: temporäre Organisationsmodelle, strategischer Partnerschaften, Wissens- und Informationsmanagement, team building und Führung etc.).

Kapitel 8 fügt anschließend die verschiedenen gewonnen Erkenntnisse zur integrierenden “Gesamtschau” zusammen. Dabei werden auch ethische Aspekte kulturmanagerialer Entscheidungen sowie die wichtige Frage der Umsetzung und Implementierung von getroffenen Entscheidungen diskutiert.
In Kapitel 9 wird das Vorgehen praxisorientiert zusammengefasst; die Anwendbarkeit des Vorgehens zur Entscheidungsfindung, wird durch verschiedene Folien zum Herauskopieren und zahlreiche Fragen zur eigenen Organisation unterstützt.

Fazit

Das vorliegende Konzept ermöglicht ein disziplinenübergreifendes, analysierendes und integrierendes Vorgehen bei der Entscheidungsfindung das auch nicht messbare ästhetische, kulturelle und soziale Größen konzeptionalisiert: das ist neu. Damit bietet die Publikation eine echte Alternative zu bestehenden (monodisziplinären) Ansätzen im Kulturmanagement. Das Konzept eröffnet eine praxisnahe Perspektive auf das eigene Handeln und ermöglicht Lernfähigkeit. Der originäre entscheidungsorientierte Ansatz darf als Meilenstein in der Literatur des Kulturmanagements/der Kulturvermittlung bezeichnet werden. Durch die wissenschaftliche Fundierung und die geglückte Verbindung von Theorie und Praxis hebt sich die Publikation wohltuend vom Mainstream ab. Positiv fällt ebenfalls die hochwertige Produktion der Publikation und die durchgehende gelungene grafische Konzeption mit zahlreichen Abbildungen auf: Ein hervorragendes Buch für all diejenigen im Kulturbetrieb, die etwas zu entscheiden haben.

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Rezension von Gerald Mertens, Das Orchester, Ausgabe 10/2006

Alles was in einer Organisation passiert, muss entschieden werden.“ Mit dieser Binsenweisheit beginnt der Autor sein erstes Kapitel unter der Überschrift „Theorie und Praxis des Kulturmanagements“. Doch was ist eigentlich das spezifische Problem, weswegen es sich lohnt, ein ganzes Buch über Entscheidungsabläufe in Kulturbetrieben zu schreiben?
Kulturmanagement ist eine vergleichsweise junge Disziplin, die sich erst in den vergangenen fünfzehn bis zwanzig Jahren entwickelt hat. Viele Themenbereiche, wie z.B. Kultur-Marketing, -Sponsoring, -Projektmanagement usw. wurden an Hand entsprechender Vorbilder unter anderem aus der Betriebswirtschaftslehre entlehnt und auf den Kulturbereich adaptiert. Doch diese Adaption findet ihre Grenzen dort, wo es um die eigentlichen kulturellen Inhalte selbst und deren Vermittlung geht. Ausgangspunkt für das ganze Buch ist also die Frage, welche spezifischen Steuerungs- und Entscheidungsmodelle für den Kulturbereich entwickelt werden können.
Was zunächst ein wenig theoretisch daherkommt, gewinnt im Verlauf der weiteren Lektüre durchaus praktische Relevanz. Zunächst einmal analysiert der Autor Organisationsstrukturen innerhalb von Kulturbetrieben, um dadurch den Rahmen für kulturspezifische Entscheidungsprozesse zu entwickeln. Der Leser, dem es hier zu komplex wird, wird durch so genannte „Kontrollfragen“ an die Hand genommen. Diese lauten z.B.: „Wie lässt sich das Profil des Hauses beschreiben?“ oder „Wie geht man mit Konflikten um?“ Dieser kleine „Trick“ ermöglicht eine persönliche Reflexion des Lesers über die zuvor ausgebreiteten theoretischen Ansätze. Eine wichtige Erkenntnis ist, dass – anders als in anderen Managementbereichen – „emotionale Faktoren nicht aus dem Entscheidungsprozess im Kulturmanagement ausgeschlossen werden“ können.

An Hand eines Fallbeispiels, der Gründung eines neuen Musikfestivals, entwickelt der Autor sodann verschiedene Handlungsfelder, Abgrenzungs- und Skalierungsmodelle, mit denen die erforderlichen Abwägungs- und Entscheidungsprozesse inhaltlich und visuell dargestellt werden. In einem weiteren Kapitel mit dem Titel „Entscheidungen zum eigenen Verhalten“ werden die nach außen, also außerhalb des Kulturbetriebes wirkenden Entscheidungsprozesse dargestellt und analysiert; hier geht es um Fragen wie Marktorientierung, Preisgestaltung und Kommunikation, wobei immer wieder sehr plastisch auf weitere aktuelle Fallbeispiele aus verschiedensten Bereichen des Kulturbetriebs abgestellt wird. Großen Umfang nimmt das Kapitel „Entscheiden zur Organisation“ ein. Unter Erläuterung verschiedener Organisationsstrukturen und -modelle, strategischer Partnerschaften und Netzwerke werden zahlreiche Organisationsabläufe und mögliche Veränderungsprozesse – oftmals an Hand von Beispielen von Orchestern, Theatern und Opernhäusern – transparent gemacht. Kommunikationsstrukturen und Wissensmanagement (Nutzung moderner Computer- und Kommunikationstechnik) werden besonders angesprochen.
Im Kapitel „Entscheiden & Handeln“ schließlich fasst der Autor die wesentlichen Erkenntnisse und Ergebnisse zusammen, um zum Schluss wohltuend klar zu formulieren, dass an erster Stelle Kunst und Kultur stehen und erst dann das Management folgt. Hier geht es aber zukünftig um die Entwicklung ganzheitlicher Strategien. Dabei leistet das vorliegende Buch einen wertvollen Beitrag, sodass es nicht nur Kulturmanagern, sondern allen Entscheidern im Kulturbereich zur Lektüre empfohlen werden kann.

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Hermann Voesgen, Kulturpolitische Mitteilungen II/2006

Bekanntlich neigen Organisationen zu konservativem Verhalten, sie versuchen, bewährte Verfahren und Regeln als nicht hinterfragbare Setzungen abzusichern. Auch in öffentlich geförderten Kultureinrichtungen sind solche Abwehrhaltungen gängig. Während Einrichtungen der sogenannten freien Kultur laufend ihre Entscheidungen legitimieren müssen, können viele traditionsreiche Orchester und Theater ihre Aktivitäten immer noch unter den Schutz der nicht zu hinterfragenden „Freiheit der Kunst“ stellen. Aber auch in soziokulturellen Zentren findet man Tendenzen, „einfach zu machen“ und nicht zu problematisieren. Dabei wird der ehemalige Kampfbegriff Soziokultur in eine geschützte Vitrine gestellt und daneben ein konsumorientiertes Konzert- und Partyprogramm durchgezogen.
Aber der Druck auf die Akteure, die bekannten W-Fragen zu beantworten, nimmt zu: Warum bin ich hier, was ist mein besonderer Beitrag, wie unterscheide ich mich von anderen Anbietern? Martin Tröndle verschafft uns keine Linderung dieses Drucks, im Gegenteil, er hebt hervor, dass Kulturbetriebe laufend Entscheidungen treffen müssen: „Alles, was in einer Kultureinrichtung passiert, muss entschieden werden“. Das klingt wie selbstverständlich, es hat aber weitreichende Folgen. Es gibt kein einvernehmliches „so ist es“, alles muss begründet werden und jedes Mal ist auch eine andere Entscheidung möglich. Entscheidungen sind also grundsätzlich relativ. Es gibt, so Tröndle, keine Entscheidungen, die sich auf Wahrheit berufen können, Entscheidungen können nur angemessen sein in Bezug auf den jeweiligen Kontext. Für die Beurteilung der Angemessenheit ist auch wichtig zu berücksichtigen, was bei den Entscheidungen unberücksichtigt blieb oder ausgeschlossen wurde.
Das sind für das Kulturmanagement keine völlig neuen Einsichten. Martin Tröndle weist selbst darauf hin, dass in einzelnen Bereichen, wie dem Kulturmarketing, Projektmanagement, Kulturfinanzierung und den angewandten Kulturwissenschaften, Entscheidungsverfahren entwickelt wurden. So verfügt das Kulturmanagement inzwischen über ein vielfältiges Instrumentarium und Fachwissen für die unterschiedlichen Praxisfelder. An Stelle eines verbindenden theoretischen Unterbaus werden unterschiedliche wissenschaftliche Bezugspunkte herangezogen, um die jeweiligen Aspekte analytisch zu unterfüttern.
Es gibt aber keinen Ansatz, der das gesamte Feld des Kunst- und Kulturmanagements umfasst. Versuche, die im Kulturmanagement involvierten Disziplinen BWL, Kulturwissenschaften, Ästhetik, Recht, Kunst-, Theaterwissenschaften etc. zusammenzuführen; eine an den Kulturbereich angepasste BWL als „Leitwissenschaft“ zu etablieren, lehnt Tröndle ab. Sein Konzept eines integrierten Kunst- und Kulturmanagements basiert vielmehr auf der Systemtheorie. Sie hat den Vorzug, nicht mit den bereits im Kulturmanagement benutzten Theoriezusammenhängen verquickt zu sein. Die Systemtheorie verschafft dem Kulturmanager ein Instrument, um den Kunst- und Kulturbereich insgesamt ins Auge zu fassen und nicht beim Wechsel von einem Aufgabenbereich zum anderen (z. B. vom Marketing zum künstlerischen Produkt) die Bezugsdisziplinen wechseln zu müssen.
Martin Tröndle stellt die zentralen Elemente der Systemtheorie im Zusammenhang mit dem Thema Entscheidungsbildung vor. Dieses Kapitel ist besonders auch für Leser, die mit der Systemtheorie wenig vertraut sind, sehr lesenwert. Es gelingt dem Autor, wie auch in den anderen Kapiteln, komplexe Ansätze sehr anschaulich darzustellen.
Im Hauptteil des Buches stellt Tröndle sein Konzept der Handlungsfelder vor. Im Feld „Entscheidungen zum Produkt“ geht es um das Werk, die Art der Inszenierung, das Programm und deren Vermittlung. Der zweite Bereich handelt von den „Entscheidungen zur Präsentation“, mit den Stichworten Dichte, Szene, wann und wie lange. Das sind die tragenden Säulen für künstlerische Beiträge, worum es eigentlich geht. Die beiden folgenden Felder sind für das Funktionieren der Aktivitäten unabdingbare Stützen. Im Bereich “Entscheidungen zum eigenen Verhalten“ stehen die Umweltbeziehungen, das Marketing im Vordergrund, und im Feld „Entscheiden zur Organisation“ geht es darum, wie das Verhältnis von Führen und Zusammenarbeiten angemessen organisiert werden soll.
Die jeweiligen Themen werden durch eine Skalierung operationalisiert und am Beispiel eines Festivals für aktuelle Musik anschaulich gemacht. So wird für die Entscheidung über das Programm des Festivals eine Skala von „standardisiert, reproduktiv, Nummerprogramm, eher ökonomische Kriterien“ bis „individuell, produktiv, Konzertkompositionen, Exklusivorientierung, eher künstlerische Kriterien“ gebildet.
Alle angeführten Aspekte findet man in diversen Handbüchern, mit ähnlichen Hinweisen und Kriterien. Die besondere Leistung des vorliegenden Buchs ist die Zusammenschau der unterschiedlichen Aspekte. Dadurch wird es möglich, den gesamten Entscheidungsprozess in den Blick zu nehmen. Der Autor zeigt, dass Kulturmanagement mit der Systemtheorie ein begriffliches Instrumentarium nutzen kann, um die „Kleinstaaterei“ der Bezugswissenschaften zu überwinden.

Martin Tröndle liefert mit seiner Arbeit einen wichtigen Beitrag zur theoretischen Fundierung des Faches Kulturmanagement. Zwei wesentliche Anforderungen an Kulturmanagement sind Interdisziplinarität und eine fortlaufende Theorie –Praxis Vermittlung. Beide Anforderung erfüllt Martin Tröndle mit seinem Buch. Durch seinen systemtheoretischen Ansatz findet keine Auf- oder Abwertung von Teilbereichen statt, wie oft in Diskussionen über die Ausbildung von Kulturmanagern. Das Konzept des integrierten Kultur- und Kunstmanagements ist ein offener Denkrahmen, „dessen inhaltliche Kategorien auf die konkrete Anwendungssituation der jeweiligen Kulturorganisation zugeschnitten werden müssen“. Das Wechselspiel zwischen Theorie und Praxis gelingt dem Autor eindrucksvoll. Neben den theoretischen Beiträgen funktioniert das Buch auch als Handbuch für die Praxis. Für anstehende Entscheidungen finden die Akteure in den Kultureinrichtungen systematisch bearbeitbare Entscheidungsrahmen, bis hin zu Kontrollfragen, die wie Checklisten zu nutzen sind.
Was will man mehr?

Kurzbeschreibung

Absolventen von Musikhochschulen genau wie Profimusiker machen immer öfter die Erfahrung, dass instrumentales oder vokales Können alleine nicht ausreicht, um auf dem heutigen Musikmarkt bestehen zu können. Dieses Handbuch versammelt das für die Professionalisierung von Musikschaffenden notwendige Managementwissen und stellt es in kompakter und auf den praktischen Gebrauch zugeschnittenen Form bereit. Die Themen des Handbuchs sind u.a. Marketing und Öffentlichkeitsarbeit, Projektförderung, Konzertkonzeptionen, Publikumssoziologie, Urheber- und Verwertungsrechte sowie die Arbeitsweisen von Autoren, Veranstaltern und Tonträgerproduzenten. Das von ausgewiesenen Fachleuten des Musikbetriebes verfasste Handbuch richtet sich an Musikschaffende im gesamten deutschsprachigen Raum.

Rezensionen

Gerald Mertens, in: Das Orchester, Ausgabe 03/2004, S. 75

Das berufliche Umfeld für professionelle Musiker befindet sich in einem raschen Wandel, wenn nicht gar im Umbruch. Längst nicht alle, die Instrumentalmusik studieren, können später auch davon leben, geschweige denn eine der immer rarer werdenden Orchesterstellen oder eine Vollzeitstelle an einer Musikschule ergattern. Immer mehr Absolventen werden daher entweder zur Zweitausbildung, zum Berufswechsel oder in die Selbstständigkeit und freie Ensembles gedrängt. Für diese Lebenssituation sind sie allerdings in der Regel nicht ausreichend gerüstet und vorbereitet.
Genau hier liegt der Ansatz für das Buch zum Selbstmanagement für Musiker. Die Herausgeber sowie verschiedene Fachautoren aus Deutschland, Österreich und der Schweiz nehmen sich dem Thema unter verschiedenen Blickwinkeln an. Das erste Kapitel behandelt schwerpunktmäßig die Themen Musikmanagement und Musikvermittlung. Einem Abriss über die Entwicklung und den heutigen Stand des Konzertwesens folgt eine Betrachtung der Publikumsstrukturen. Hierbei wird u. a. deutlich, dass Musikinstitutionen ebenso wie Kammermusikgruppen oder Solokünstler immer noch viel zu wenig ihr potenzielles Publikum kennen, wahrnehmen oder aktiv erschließen und daher ihre Angebote nicht so wirksam in den Musikmarkt einbringen, wie es eigentlich möglich und erforderlich wäre.
Den Schwerpunkt bildet das zweite Kapitel, etwas untertreibend oder unscharf mit dem Titel „Selbstmanagement” überschrieben, denn es geht nicht um das Erkennen und Überwinden persönlicher Zeitfallen, sondern vielmehr um Themen, die über das eigentliche „Selbst”-Management weit hinausgehen. Es beginnt mit der Darstellung der Grundzüge verschiedener Managementmethoden u. a. am Beispiel der Vorbereitung, Durchführung und Abwicklung eines Konzertauftritts. Über 30 weitere Seiten sind einem geballten und praxisnahen Überblick über Marketing-Methoden gewidmet, ergänzt durch einige Beispielfälle. Breiten Raum nehmen auch die Ausführungen zur geeigneten Öffentlichkeitsarbeit und Werbung ein. Instruktiv sind hierbei etliche Leitfäden und Checklisten für Publikumsbefragungen, zur Kampagnenplanung oder zur Erstellung von Künstlermappen. Besonders gelungen sind die Hinweise zum korrekten Einsatz des Internets und der Online-Pressearbeit; Themenfelder, in denen auch von großen Kulturinstitutionen oftmals noch einiges dem Zufall oder gar der Unprofessionalität überlassen wird.
Das dritte Kapitel ist dem Thema Recht gewidmet. Angesprochen werden die Bereiche Verwertungsrechte, Urheberrechte, Sozialversicherungsfragen, Steuerrecht und Vertragsrecht. Diese Rechtsgebiete werden – auch für Nichtjuristen gut verständlich – zunächst für das deutsche Recht und dann für das Recht der Schweiz abgehandelt. Beim Thema Vertragsrecht sind ein Muster-Konzertvertrag und eine Muster-Bühnenanweisung abgedruckt. Das vierte Kapitel schließlich befasst sich mit den „Partnern im Musikbetrieb”, also Künstlervermittlungen und Agenturen, der Tonträgerindustrie und den Musikverlagen.
Im Anhang finden sich zahlreiche Literaturhinweise sowie Internetadressen. Bedauerlich ist, dass auf die Erstellung und den Abdruck eines Stichwortverzeichnisses verzichtet wurde; dies würde den Gebrauchswert des Buchs gewiss erhöhen. Trotz dieses kleinen Mankos ist die Lektüre nicht nur den eingangs beschriebenen Musikern auf dem Weg in die Selbstständigkeit, sondern auch Orchestermanagern, Kammermusikgruppen und Solisten durchaus zu empfehlen.

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Marcus Axt, Korrespondent, Kulturmanagement Network

Eine junge Karriere aufzubauen, braucht Zeit, Geduld, Konstanz und ein gewisses Maß an Hartnäckigkeit. Nicht immer sind Manager oder Agenten die richtige (oder mögliche) Wahl für den Weg auf das Konzertpodium oder die Opernbühne. Abhilfe will das Kompendium „Selbstmanagement im Musikbetrieb” schaffen. Von den Herausgebern etwas irreführend als „Handbuch für Musikschaffende” bezeichnet, ist es mehr als das und doch nicht genug.

Was der Titel verspricht, kann ein Handbuch nur insofern leisten, als es die für den Musikbetrieb verbindlichen rechtlichen, finanziellen und organisatorischen Informationen bereitstellt. Somit vermag dieses Handbuch für den Musiker am Beginn seiner Karriere den „Businessmanager” zu ersetzen, den andernfalls die Künstleragentur anbieten würde; den Verzicht auf einen „Personalmanager” dagegen, einen Mentor, der behutsam Kontakte und Karriere plant, wird es nicht wettmachen.

Über die Hälfte der rund 300 Seiten sind allein dem komplizierten Thema „Recht” im Musikbetrieb in Deutschland und der Schweiz gewidmet und geben kompetent über die Modalitäten und Besonderheiten u.a. von Urheber- und Vertragsrecht, Sozialversicherung, Steuern oder Altersvorsorge Auskunft. Der titelgebende Abschnitt über „Selbstmanagement” füllt indessen nur knapp ein Drittel des Buches und umreißt konzise und sachkundig die Bereiche Selbstorganisation, Marketing, Öffentlichkeitsarbeit und Finanzierung.

Ein erhebliches Manko dieser Anleitung zum Projektmanagement ist allerdings, daß sie großenteils auf die Finanzierung von Projekten durch Drittmittel fokussiert ist. Das heikle Thema der Grundversorgung junger Künstler – wie bekomme ich die ersten Engagements, wie komme ich an eine Festanstellung, wie finanziere ich meinen Lebensunterhalt – ist nicht Thema dieses Buches. Um so mehr sind dessen Inhalte für den Kulturmanager, den Konzertveranstalter oder den Agenten ebenso wertvoll wie für den hier (hauptsächlich) angesprochenen Musikschaffenden. Allen praktischen Hinweisen vorangestellt ist ein Memento mori des klassischen Musikbetriebs, das hellsichtig die Musealisierung der Konzertsituation aufzeigt und Gedankenanstöße für eine konzeptionelle Neuorientierung vermittelt.

Ergänzend werden wichtige Partner im Musikbetrieb vorgestellt: eine Anleitung, die richtige Agentur zu finden, ergänzt zwei Essays über Chancen und Risiken der Musikverlage und der Tonträgerindustrie. Schade, daß keine Hinweise zum Umgang mit dem vierten wichtigen Partner des Musikers, dem Veranstalter, gegeben werden – hier würde die Theorie des (Selbst-) Managements von Projekten ihre praxisrelevante Anwendung finden.

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Kathrin Hauser-Schmolck, in: Neue Musik Zeitung, nmz 2004/03, 53. Jahrgang, S. 51

Selbstmanagement für Musikschaffende – vor ein paar Jahren wäre das vielleicht noch kein Thema für ein Handbuch gewesen. Heute ist der Markt für Musiker enger geworden, auch in Deutschland und der Schweiz (denn mit beiden Ländern befasst sich das jüngst erschienene Buch). Es gibt ein Überangebot an Musikern und künstlerische Qualität allein genügt nicht mehr, um sich auf dem Markt durchzusetzen, einen Platz in einem Orchester zu bekommen, eine Solistenlaufbahn einzuschlagen oder sich als Kammermusikensemble zu etablieren. Eine Portion Selbstmanagement und -marketing gehört auf jeden Fall und auf jeder Stufe der Karriere dazu. Und es wird immer wichtiger, je enger der Markt ist.

Petra Schneidewind vom Institut für Kulturmanagement in Ludwigsburg und Martin Tröndle, Dozent für Musikmanagement an der Hochschule für Musik und Theater in Bern, haben das Thema Selbstmanagement im Musikbetrieb systematisiert und als Handbuch für Musikschaffende herausgebracht. Es ist das erste deutschsprachige Buch, das das Thema Selbstmanagement wirklich gründlich für den Musikmarkt bearbeitet. Es versucht den Spagat zwischen Wissenschaft und Praxis und geht dabei weit über das Thema Selbstmanagement hinaus. In einem Kapitel „Musikmanagement und Musikvermittlung” wird das Konzertwesen vom Mittelalter bis heute oder auch das Publikum als Zielgruppe untersucht. Die rechtlichen Grundlagen vom Urheber- über das Steuer- bis zum Vertragsrecht nehmen quantitativ den größten Platz im Handbuch ein.

Die „Partner im Musikbetrieb”, Agenturen, Tonträgerindustrie und Verlage, werden in einem eigenen Kapitel behandelt (wenn auch die Konzertveranstalter als Partner dabei fast in Vergessenheit geraten sind sowie die Frage, wie komme ich als Musiker an Veranstalter oder eine Orchesterstelle, im Kapitel „Selbstmanagement”). Das Kapitel „Selbstmanagement” umreißt präzise, gut lesbar und um praktische Fallbeispiele und Checklisten ergänzt die Bereiche Management, Marketing, Öffentlichkeitsarbeit, Werbung und Finanzierung von Projekten.